¿Qué es LS / Galería?

LS / Galería o Lourdes Sosa Galería, nace en el año 2000 con un concepto plural de generaciones y proposiciones estéticas teniendo como misión principal la integración del arte como elemento esencial para el enriquecimiento de la vida cotidiana de todo ser humano. 

Apoyamos a coleccionistas en la gestión y formación de sus colecciones, y asesoramos a nuevos clientes e interesados para empezar su colección, paso a paso.

Nos especializamos en diferentes tendencias: Escuela Mexicana, transición, ruptura, post-ruptura, cutting edge, futuribles y contemporáneo.  

Albergamos en nuestra galería matriz  obra de artistas como Rufino Tamayo, Pedro Coronel, Arnaldo Coen, Rodolfo Nieto, Francisco Toledo, Rafael Coronel, Juan Soriano, Carlos Mérida, Gunther Gerszo y Ricardo Martínez, así como propuestas jóvenes como Patricia Torres, Jesús Lugo, Laura Rosete, Ermilo Espinosa, Jorge Marín, etc.

¿Dónde puedo encontrarlos?

Nuestra galería matriz se encuentra en en el corazón de Polanco, en Ibsen 32-A. Tenemos también otra galería dentro del Four Seasons Hotel, Ciudad de México,  y desde hace ya varios años, presentamos un nuevo proyecto de exposiciones extramuros; Fuera del Cubo Blanco en donde llevamos el arte a lugar donde comúnmente no pueden ser encontrados como centros comerciales, aeropuertos, etc. La idea es romper la brecha ente el arte y el espectador.

¿Quién es Lourdes Sosa?

Además de ser la  fundadora de LS/Galería, toda su vida ha estado dedicada a la promoción cultural.  Se ha desempeñado como Jefa de la unidad departamental de artes visuales de Bellas Artes,  Directora de la Galería del Auditorio Nacional del INBA, como Subdirectora del Museo de Arte Moderno, y también como directora del Centro Cultural X Teresa. 

¿Por qué LS/Galería?

Desde nuestra fundación estamos comprometidos a la promoción cultural, por lo que nuestros clientes saben que nuestra prioridad es el nivel de las piezas, su calidad y certeza de la autenticidad de las piezas que están adquiriendo.

Sin importar técnica, tamaño o valor, todas nuestras piezas pasan por un extenso periodo de investigación antes de ponerlas a la venta en función de tener siempre lo mejor para coleccionistas nuevos como experimentados. 

Nuestros artistas ya sean íconos de la plástica mexicana, o nuevas propuestas tienen un curriculum importante que los hace además, una excelente inversión.  

¿Qué es Ruptura?

La ruptura es un título que se ha impuesto a una  generación que utilizó un lenguaje ajeno al de la escuela mexicana de pintura; surge entre los años 50’s y 60’s  y escenifica diferentes momentos de la  transformación en la creación artística mexicana de nacionalista a plural.  Es importante mencionar que previo a esta generación llamada Ruptura hay obras de transición, importantísimo para la comprensión del desarrollo artístico en México.
 
El concepto del realismo socialista en la Escuela mexicana de Pintura  pretendía,  por una parte, hacer un arte realista al servicio del estado y por otra crear obras  profundamente nacionalistas con un mensaje social y político. Pretendía ser UN ARTE PARAEL PUEBLO.

El nacionalismo fue una forma de manifestarse en el sentido social de la revolución, la mayoría de las  manifestaciones de ese momento y posteriores tenían esa característica,  no solo en los pintores;  en los escritores como  Martín Luis Guzmán, Mariano Azuela; en los músicos:  Silvestre Revueltas, Pablo Moncayo, Blas Galindo,  la música tenia una tendencia nacionalista; la época de oro del cine mexicano, retrataba ese momento histórico, las cantina, los soldados , los problemas del campo, la injusticia social, el cacique del pueblo, las soldaderas, etc. 
 
En los  50’s México dejaba de ser  un país rural y empezaba a convertirse en un país urbano; abandonaba el campo, crecía en la exportación, incursionaba en la industrialización; era  un México diferente. La Ciudad de México comienza su desbocado crecimiento y con él, el centralismo. 
 
Surge una generación con mayor acceso a la información internacional y que, obviamente cambia sus manifestaciones por un arte más identificado con las corrientes globales de la cultura occidental.    En la literatura se abandonaron los temas relativos a la revolución,  tenemos ejemplos como Juan Rulfo con Pedro Páramo, una obra muy intimista, Carlos Fuentes con la Región más Transparente, Salvador Elizondo, y Juan García Ponce entre otros.   Surgen nuevas formas de música, la dodecafónica, la electrónica, con compositores como Manuel Henríquez, Joaquín Gutiérrez Heras, Mario Lavista, Julio Estrada, etc.   Luis Barragán en arquitectura; la influencia de Martha Graham en danza;  en teatro Octavio Paz impulsó una serie de obras que se presentaban en la Universidad:  “Poesia en voz Alta”, obras clásicas con un concepto de modernidad,   aparecen Directores como Juan José Gurrola y Alejandro Jodorowski, por mencionar algunos. 
 
Esta nueva generación no se conformaba en  grupos aislados, todos eran compañeros y el trabajo creativo se vuelve en interdisciplinario. Los pintores realizaban escenografías, ilustraban libros y portadas de discos, participaban en cine, etc. se reunían, trabajaban y se apoyaban entre si.
 
No pensaban en una ruptura o contender con alguien, lo que querían era hacer arte y el arte es diacrónico, pertenece a su época. Para esta nueva generación lo importante es la intención individual. No se hicieron en ese momento manifiestos, ni publicaciones, ni exposiciones bajo el título de “ruptura”, ni ha quedado claro quienes lo iniciaron y quienes lo conforman. Fue el cambio en la pintura lo que acaparo el nombre de ruptura no un grupo de artistas que la generaban.  
 
En el tiempo de la pintura mexicana se hablaba de un arte realista con contenido social, surgió aquella frase tan famosa de David Alfaro Siqueiros de No hay más Ruta que la Nuestra.  Si había otra ruta, una ruta con voz propia, la de artistas como: Alfonso Michel, Wolfang Paalen, Rufino Tamayo, Carlos Mérida, Juan Soriano, Gunther Gerzso, etc. e incluso, en el núcleo de la propia Escuela Mexicana, encontramos disensos importantes, como el caso de José Clemente Orozco que pintó el Paisaje Metáfisico, en la casa de Gobierno de Guadalajara, o los murales abstraccionistas en la Escuela Nacional de Maestros, o la investigación de la poliangularidad de David Alfaro Siqueiros, o el cubismo de Diego Rivera.
 
Fue difícil aceptar la pluralidad en la pintura, hubo conflictos con la generación inmediata anterior, los apoyos del gobierno eran dirigidos a  la escuela mexicana. No se daban facilidades a los nuevos artistas.  Tuvieron que trabajar en forma independiente, no tenían público, no tenían espacios, no tenían apoyos, ni coleccionistas. Propiciaron la creación de  galerías como Proteo, Juan Martín, Antonio Souza, para darse a conocer y crear un mercado,  con una pretensión de pluralidad y de creación individual no de ruptura. 
 
Ruptura o no Ruptura, transición ó trasgresión, lo importante es que su obra es vigente,  con el mismo espíritu  que los impulsó en un principio: la libertad creativa 

¿Qué artistas conforman el movimiento de Ruptura?

Algunos de los representantes más conocidos son: Vicente Rojo, José Luis Cuevas, Roger von Gunten, Alberto Gironella, Vlady, Juan Soriano, Lilia Carrillo, Arnaldo Coen, Pedro Coronel, Manuel Felguérez, Fernando García Ponce, Brian Nissen, Gabriel Ramírez y Kazuya Sakai.

¿Qué es la obra gráfica?

Se conoce como obra gráfica a aquellas piezas hechas por el autor por medio de técnicas de impresión utilizando planchas metálicas, de piedra o madera en un papel, tela o cualquier otro tipo de soporte.  Se les conoce también como originales múltiples y es en este rubro donde entran las serigrafías, grabados, giclée, litografías, entre muchos otros. Están firmadas en original por el artista y son ediciones limitadas y  numeradas.

¿Qué tipos de técnicas existen en piezas únicas u originales?

Las siguientes son las técnicas de las piezas originales: 

Óleo

La pintura al óleo es una técnica pictórica en la que la materia colorida se obtiene de la mezcla del pigmento colorante con el óleo. Esta mezcla sirve para unir los distintos pigmentos entre ellos y estos con el soporte (por ejemplo, la tela). Los óleos que más se utilizan son los de linaza o de nuez.

Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre.

Temple

La pintura al temple es la técnica pictórica más antigua que se conoce.  Es una técnica pictórica que consiste en disolver el pigmento en agua y templarlo o engrosarlo con huevo, caseína, goma o una solución de glicerina. El aglutinante es algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas. 

Acrílico

Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El medio así resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).

Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación. Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.

Encáustica

La encáustica, es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla es densa y cremosa.

La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama encaustización y está descrita por Vitruvio. “Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos”.

Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono.

Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.

Gouache

El gouache es una pintura con base de agua, como las acuarelas, pero se diferencia de ellas en que el gouache es opaco y no transparente.Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillante. Si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela. 

Pastel

El arte de la pintura al pastel pertenece a las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

El pastel está compuesto por pigmento puro, yeso y cola. Se forma una pasta y se moldea en forma de barra y se deja secar. La calidad y tipo de pastel, dependen de las proporciones de esta mezcla, los pasteles de gran calidad, no contienen yeso, ya que son prácticamente pigmento puro. Por eso, los colores son intensos y saturados.

Los colores son muy sólidos, pueden mantener su brillo durante siglos, sobre todo si se emplean en soporte de papel sin ácido. Su acabado es aterciopelado y luminoso. Los colores pueden superponerse porque no se mezclan con facilidad, se difuminan para crear sombras y luces sutiles. Por eso el papel de grano grueso es mejor, pues su superficie abrasiva retiene los pigmentos.

Dibujo

Dibujo significa tanto el arte de enseñar a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.  El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales.  Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

Mixta

El término Técnica Mixta se refiere a que se emplean diversas técnicas artísticas en un mismo soporte, como dibujo, óleo o collage, combinadas en una única obra.  Aunque cada una de las técnicas es versátil en las manos de un artista, añadir diferentes técnicas puede dar a una obra una mayor sensación visual y una riqueza de texturas.

Los artistas que trabajan la técnica mixta pueden  mezclar acrílico y óleo, grabado y collage o dibujo y fotografía. Otros artistas dan un paso más, añadiendo elementos encontrados en la superficie de la obra, lo que da dimensiones escultóricas a una pieza bidimensional.  En algunas ocasiones la mezcla de técnicas son muy resaltadas, mientras que en otras ocasiones esta diversidad de medios puede aparecer velada e inapreciable a primera vista.  Mezclar técnicas ofrece a los artistas posibilidades infinitas para la creación artística.

¿Qué técnicas de originales múltiples existen en el mercado?

Entre las más conocidas encontramos:

Serigrafía

La serigrafía es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.

Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de ella, aplicándole una presión moderada con un rasero, generalmente de caucho. La impresión se realiza a través de una tela de trama abierta, enmarcada en un marco, que se emulsiona con una materia foto sensible. Por contacto, el original se expone a la luz para endurecer las partes libres de imagen. Por el lavado con agua se diluye la parte no expuesta, dejando esas partes libres en la tela. El soporte a imprimir se coloca debajo del marco, dentro del cual se coloca la tinta, que se extiende sobre toda la tela por medio de una regla de goma. La tinta pasa a través de la malla en la parte de la imagen y se deposita en el papel o tela.

Litografía

La palabra litografía proviene del término griego “lithos” que significa piedra y del término “grafia” - dibujo -. Por ello, en principio, cuando hablamos de una litografía nos referimos a una estampación obtenida a partir de una matriz de piedra. Este procedimiento se basa en el principio químico de rechazo entre el agua y la grasa y consiste en dibujar sobre una piedra calcárea la imagen deseada con un material graso.

 En el momento de entintar la plancha, cuando el dibujo ya está realizado, la tinta sólo se adherirá a las zonas correspondientes al dibujo y que previamente han estado tratadas con materia grasa, mientras que en el resto será escupida (se desprenderá). A diferencia de la xilografía y de la calcografía, la litografía no es un sistema de grabado propiamente dicho, ya que no se incide sobre la superficie de la matriz ni con una herramienta ni con ningún elemento corrosivo.

Grabado

El grabado es una técnica de impresión que consiste en dibujar una imagen sobre una superficie rígida llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, obteniendo varias reproducciones de la estampa.  La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de cobre o aluminio, aunque también se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza el dibujo generalmente a base de líneas que se realizan en la superficie de la plancha con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos:

- Azúcar:  En esta técnica se utiliza una mezcla de tinta china con azúcar que ha de mezclarse hasta la saturación. Para utilizar esta técnica es preciso preparar la matriz de metal cubriéndola con resina de colofonia. A continuación se prepara una solución de tinta china con azúcar, con la que se realiza el dibujo sobre la plancha, aplicándola con un pincel. Se deja secar la tinta china con azúcar y se cubre la plancha con barniz. Cuando el conjunto está seco, se introduce en agua y se diluye en esta la tinta china y el agua, quedando al aire la plancha y la resina en las zonas dibujadas con la tinta china y el azúcar. Retirada la tinta china con azúcar, se introduce la plancha en el ácido, que actuará en las zonas donde se había aplicado la tinta china con azúcar y que ahora estarán desprotegidas por el barniz.

- Mezzotinta: También se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la superficie.  La mezzotinta, al contrario que otras técnicas que parten de una plancha en blanco, parte de una superficie negra. Esta se consigue mediante una textura producida en la plancha por un graneador. Las rebabas creadas atrapan gran cantidad de tinta y producen un negro intenso, uniforme y aterciopelado.

-  Aguatinta: El Aguatinta es un proceso de grabado usado para corroer, sobre la superficie de una plancha, texturas granulosas que se estampan en forma de áreas tonales. La técnica de Aguatinta más común consiste en recubrir la plancha de una capa uniforme de polvo de resina muy fino, el cual se calienta y se adhiere a la plancha, constituyendo así una base porosa. Cada uno de los granos de resina actúa como un diminuto punto o isla de material resistente al ácido; los espacios que quedan al descubierto, entre los granos, son mordidos por el ácido. La plancha se convierte en una masa más o menos compacta de diminutos puntos metálicos que se elevan sobre una superficie corroída y hundida.

-  Aguafuerte: El aguafuerte es una modalidad de grabado que se efectúa tomando como base una plancha o lámina de aleación metálica, habitualmente de hierro, zinc y, más frecuentemente, cobre. Ésta se recubre de una fina capa de barniz protector, o de cera resistente a los ácidos. El grabador dibuja con un estilete de punta cónica muy afilada en esta capa de barniz, llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él.  Posteriormente se sumerge la lámina con su barniz en una solución de agua y ácido nítrico, esto es el propio aguafuerte. Esta solución corroe el cobre en las zonas en que éste no está protegido por el barniz, y deja unos surcos. El tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de la línea en el grabado, otorgándole a mayor tiempo mayor valor.

-  Xilografía:  Es la técnica de grabado más antigua, en la que se emplea como matriz una superficie de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo. El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que conforman el tallo del árbol. En el primer caso estaremos realizando una xilografía a fibra o al hilo, y en el segundo caso una xilografía a contrafibra o a la testa.

-  Intaglio:    En este proceso el artista plasma la imagen mediante incisiones en la matriz y a continuación aplica tinta sobre estas líneas incisas, asegurándose de que las áreas que no se dibujaros quedan limpias de tinta. En la técnica del intaglio, el papel se humedece previamente con agua. Cuando se extiende sobre la matriz y es presionada por la imprenta, el papel es empujado hacia las ranuras de la plancha, lo que hace que la imagen se transfiera en el papel. Muchas técnicas de intaglio implican crear las incisiones mediante ácidos que se comen la plancha de metal, con lo cual se protegen con ceras las áreas que no deben ser plasmadas en el papel.

Mixografía

La mixografía es una técnica de impresión sobre papel, a la que se le añade profundidad y textura. El artista comienza con un material sólido o combinación de materiales sobre los que talla, o realiza incisiones. Desde la matriz, se moldean una secuencia de formas. Como resultado se tiene una plancha de cobre con las formas, ésta se entinta con los distintos colores a utilizar. Se coloca el papel húmedo en la superficie y se transfiere la tinta.

Giclée

El término giclée proviene del francés gicler que significa chorrear, esparcir.    La impresión del giclée es a través de pulsaciones de cuarzo que empujan  la tinta a través de gotas diminutas que van formando la imagen.  Para lograr el nivel de alta calidad y permanencia que lo caracteriza, es necesario que los soportes tengan ciertos estándares de calidad.  Se puede hacer en tela, papel de algodón, viniles, y papel fotográfico.

Una de los puntos a discutir en lo que respecta a las técnicas digitales, gira en torno a su durabilidad.  Se han realizado múltiples pruebas a giclées para estudiarla, exponiéndolos a cantidades fuertes de luz y condiciones de humedad; en ellos se ha concluido que pueden durar hasta 300 años.

 ¿Además de los originales múltiples, manejan piezas únicas y/u originales de los artistas?

Así es, de todos nuestros artistas tenemos piezas únicas. Dependiendo del autor tenemos óleos, acuarelas y acrílicos disponibles. Para saber su disponibilidad puedes escribirnos para hacer una cita en cualquiera de nuestras sedes.

Four Seasons Hotel
Paseo de la Reforma 500 Col. Juárez, Ciudad de México C.P. 06600
Tel. (5255) 8488 0030 . 5230 1818

LS / Galería ( Matriz)
Ibsen 33-A, Polanco, Ciudad de México C.P. 11560
Tel. (5255) 5280 6857 . 5282 2452
Cel. 044 5551014876

info@lsgaleria.com

¿Únicamente tienen venta en línea?

No, puedes visitarnos en nuestra galería matriz o en cualquiera de nuestros espacios de exposición permanente y temporal para conocernos y ver la obra en vivo.

¿Sería posible que lleven una pieza a mi casa para ver cómo luciría en el lugar para el que la tengo pensada?

Sin problema.  Nosotros entendemos perfectamente que comprar una obra de arte es una decisión importante que se debe tomar con tiempo y de manera certera, por lo mismo ofrecemos un servicio sin costo para D.F y área metropolitana en el que te llevamos la pieza para que la veas en vivo y en el espacio que tienes pensado. 

Contacta a nuestro equipo para que puedan coordinar la visita de la obra a donde nos indiques. La pieza la llevamos y recogemos ese mismo día.

Si adquiero una obra, ¿el marco viene incluido?

No, la obra se entrega sin marco pero si quieres incluirlo, contáctanos y te podemos dar opciones para el enmarcado así como su costo.

¿Ustedes me pueden montar la obra en el espacio en el que tengo pensado?

Así es, tenemos un servicio de white glove service en la CDMX o área metropolitana y te montamos la pieza sin ningún costo adicional.

¿La obra se entrega con certificado de autenticidad?

Así es, siempre se entrega con un certificado de autenticidad por la galería el cual cuenta con varios candados de seguridad pues como sabes hay un mercado muy grande de falsos en el mercado, en piezas únicas, el certificado se complementa con otro firmado por el artista.

Si quiero vender una obra, ¿puedo acudir a ustedes?

Si, siempre estamos buscando nuevas piezas para nuestra colección, ten en mente que solamente compramos piezas de los artistas que manejamos y que tengan papeles y buena provenance.   

Por favor contáctanos para coordinar una cita y podamos brindarte una atención personalizada y nos platiques más de tu pieza.

Soy artista, ¿cómo puedo ofrecer mis piezas para que me representen?

Nos encanta conocer nuevas propuestas. Mándanos algunas fotos de tu trabajo así como tu CV, concursos en los que has participado, exposiciones, premios, etc., y nos pondremos en contacto a la brevedad.

Todas los nuevas propuestas pasan por un comité de selección conformado por Directores de Museos, críticos, artistas y las directoras de la galería. 

Quiero hablar directamente con alguien, ¿dónde puedo contactarlos?

Claro, tenemos un Whatsapp 24/7 para cualquier duda o puedes contactarnos directamente en la galería en los siguientes teléfonos:

Polanco: 5280 6857 / 52822452

Four Seasons: 5230 1818 / 8488 0030 

¿Me pueden ayudar con la certificación de una de mis piezas?

Así es, si la pieza que tienes es de uno de los artistas que manejamos con gusto te podemos ayudar. El costo del certificado es de $5,000 MXN por pieza.

¿Ofrecen valuaciones de colecciones?

Así es, como uno de nuestros servicios tenemos la valuación de colecciones. Cobramos por pieza (no por porcentaje)  y el costo depende del número de piezas a valuar.

¿Cómo puedo trabajar con ustedes?

Mándanos tu CV a azapata@lsgaleria.com, cuéntanos que es lo que te gustaría hacer con nosotros,  siempre estamos en busca de nuevo talento. 

¿Puedo hacer mis prácticas profesionales con ustedes?

Nos encantaría. Tenemos varios proyectos para prácticas profesionales, revisa con tu universidad cuales son los requisitos y podemos revisar como adaptarnos a tus intereses y objetivo profesional.

¿Imparten cursos de arte o algún tipo de clases?

Así es, tenemos varios cursos que van desde entender las técnicas de grabados, el proceso creativo, historia del arte, el mercado del arte e incluso una clase de “ ¿cómo coleccionar sin que me trancen?, una de las favoritas. 

Toda la información la estaremos publicando en nuestra redes sociales.

¿Rentan obra para oficinas?

Estamos asociados con un programa piloto, ArtCapital, en el que a través de ellos te podemos rentar la obra. El costo mensual va del 2% al 5% dependiendo de la obra y es totalmente deducible de impuestos.

¿Tiene algún costo el envío?

Ninguno, en todo México el envío va por nuestra cuenta.